Attachée à construire des spectacles ancrés dans la réalité, l’artiste et metteuse en scène Coline Garcia développe sa nouvelle création autour du thème de la famille. Avant toute chose, elle a pris le temps de recueillir des témoignages d’enfants et de tourner des vidéos au sein de plusieurs foyers. Ces éléments de paroles servent de socle à un déploiement de moyens qui empruntent à toutes les ressources du cirque (tricotin, mât chinois, acro-danse) en vue de poser des questions : qu’est-ce qui « fait famille » aujourd’hui ? De quelle famille parle-t-on ? Comment vit-on ensemble et de quelles façons ? Interprété par une circassienne et un musicien, ce récit fourmillant d’idées s’anime entre sol et air, à l’aide de micros, de pédales loop, de vinyles manoeuvrés par les artistes. Il en résulte une histoire en mouvement perpétuel, ouvrant les oreilles et les yeux, les portes et les fenêtres, dans le souci d’élucider un sujet central. Avec bienveillance, délicatesse, et une certaine nostalgie, la compagnie SCOM parvient à diffuser le réconfort et la chaleur que répand une maison où le quotidien se règle dans l’écoute et la compréhension de ses occupants.

Après Chute !, un spectacle présenté au Carré Magique en 2018, on attendait de la compagnie La Volte qu’elle rebondisse le plus haut possible. C’est chose faite avec De bonnes raisons, la nouvelle création. Les capacités d’élan de Matthieu Gary et Sidney Pin, leurs créateurs, présageaient en effet de nouvelles prouesses aussi physiques que spirituelles. Acrobates virtuoses, ils n’ont peur de rien et la pratique du saut dans le vide semble relever pour eux d’une promenade de santé. Rien n’est moins sûr et ils témoignent en rejouant leurs numéros de cirque favoris des risques encourus. À la manière d’une dispute philosophique, le duo empoigne le sujet, tête à l’envers, dans un équilibre incertain à sept mètres au-dessus du sol. Ils domptent les vertiges tout en abordant en philosophes des hauteurs la question du danger, celle de la lutte avec le hasard, du mauvais pas, de l’accident. La notion de « risque » est ainsi déployée à travers des gestes et des mots qui renvoient aux domaines de la science, de l’économie, de la politique et de l’histoire. L’exposé se fait au sommet, entre démonstration risquée et conversation sur le fil.

Choisis à l’issue d’une grande audition à travers le Maroc, les quinze artistes, femmes et hommes, mis en piste par Maroussia Diaz Verbèke composent la nouvelle équipe du Groupe Artistique de Tanger. Ils possèdent la vitalité de la jeunesse et toutes les finesses de l’univers acrobatique. Habillés par le plasticien pop Hassan Hajjaj, propulsés par les scratchs de l’éminent DJ Key, ils réalisent une explosion de figures mêlant l’acrobatie au sol, la danse, le break, le taekwendo et le footfreestyle dans une virevoltante alchimie usant de sketchs, de sms, de tabourets, de babouches, de tours sur la tête et plus simplement de joie. La joie de partager leur art, leur dynamisme, leur savoir-vivre entre tradition et esprit moderne, reliant ainsi par un pont aérien l’Orient et l’Occident, l’héritage populaire et la culture hip-hop luxuriante comme jamais.

Co-fondateur des Nouveaux Nez, Alain Reynaud alias Félix Tampon est un clown bâtisseur. Son entreprise de divertissement compte cinq associés qu’il présente volontiers comme ses compagnons de déroute. Avec Patachtouille, Olga, Fritz, Junior et le professeur Glumol, son édifice repose sur des piliers qui sont ceux de la musique, du chant, du cirque et surtout de la fête. Ce sont les colonnes d’un temple de la nuit qui se nomme Cabarêve. Félix Tampon en est le Maître de cérémonie et à ce titre il pratique des rituels pour initier le rire, développant une doctrine de l’hilarité à laquelle le spectateur adhère sans hésitation. Il est d’autant plus facile d’entrer dans ce monde délicieusement déraisonnable que les six artistes appâtent l’appétit de gaieté en mettant les petits plats dans les grands, en dressant des nappes à carreaux recouvertes d’agouski. Un cabaret de rêve où l’on mange à plaisir, où l’on boit les paroles de la cuvée Félix Tampon qui rendent ivre de joie.

Fnico Feldmann et Itamar Glucksmann ont l’habitude de travailler en duo pour témoigner des vérités qui fondent l’humanité. Dirigés par Benjamin De Matteïs, ils mettent l’acrobatie au service du vivant. Ils parlent du temps qui passe, de la fragilité de l’homme dans un cosmos qui le dépasse, de sa façon de résister au chaos, de se hisser vers les hauteurs tout en s’ancrant dans la terre ferme. Ces désirs-là sont presque métaphysiques. Et voici que sur scène, ils trouvent une correspondance lumineuse, évidente et superbe, dans la simple présence d’un hêtre qui devient partenaire. L’arbre porte en lui beaucoup de l’humaine condition. À l’image de la poussée des branches et de la vie jaillissante ; des racines suggérant le passé et l’histoire ; des feuilles qui bruissent et font entendre le mouvement. En prenant d’assaut de mille et une manières cet émissaire de la nature, les acrobates dessinent avec fluidité plus qu’un spectacle artistique : une métaphore. Celle de l’homme et de la femme, fétus de paille dans le flux des éléments.

La danseuse sur fil Sanja Kosonen vit le cirque comme un antidote, un remède contre l’oubli de pratiques artistiques et de rituels anciens. Et ça décoiffe ! Au sens propre dans Capilotractées, où l’artiste finlandaise et une complice remettaient au goût du jour une discipline du cirque forain : la suspension par les cheveux. Dans Cry Me A River, c’est au pays de ses ancêtres, la Carélie, qu’elle va puiser l’inspiration. Chez les pleureuses professionnelles, qui étaient jadis de toutes les funérailles. De tous les mariages aussi, car il est des larmes heureuses comme il en est de “crocodile”. Interrogeant les formes du sanglot, huit artistes d’horizons artistiques et géographiques différents unissent leurs voix et leurs corps. Nourris par les traditions du cirque et de la danse, ils se coulent dans un langage moderne pour aller à la rencontre de l’être humain et dévoiler ce qui a disparu de nos espaces publics : l’émotion.

Une vie résumée en quatre-vingt minutes d’où ce titre étrange. Pari insensé que tente Jonathan Guichard, l’auteur de 3D, solo acrobatique déjà extravagant découvert au festival Gare au Gorille en 2017 : créer un spectacle de cirque futuriste où le corps acrobatique, pourtant bien là sous nos yeux, ne serait en définitive que pure abstraction. Androgyne, unique mais se démultipliant et se métamorphosant en permanence, ce corps reste un mystère, un être imaginaire. Qu’est-ce donc que cette créature digne d’un hallucinant scénario de science-fiction, un mutant, notre double ? L’espace où elle se meut, le temps qui lui est compté, l’ambiance sonore qui nous enveloppe, son univers détaché de tout réalisme, échappent à la raison. C’est une énigme, une chorégraphie inédite sur un sol mouvant qui se dérobe et permet la naissance comme la disparition. Le cirque ici se fait exploration. Un nouveau continent surgi de nulle part. Curieusement doux, comme un contrepied à la rudesse de notre monde. Quand le cirque s’évade de ses propres codes, et c’est le cas avec 080, le pari est gagné !

Le Grand déballage ou le bouquet final ! Julien Candy et ses complices ont semé au fil des ans leur imaginaire au vent de partitions intimistes et là, vient le temps de la grande fête. Le banquet auquel ils nous convient se veut chantant et dansant, prétexte à une fantaisie circassienne de haut vol où petits et grands se retrouvent immergés au cœur d’une ébouriffante communauté d’artistes de tous poils. Musiciens, acrobates, jongleurs, fildeféristes et chanteurs déballent à l’unisson leurs instruments d’époque, comme les harmoniums ou les scies musicales, jouent de l’insolite et du burlesque pour trousser une histoire invraisemblable et unique. La vôtre, celle, que vous ne vivrez qu’une fois, le temps de la représentation !

Melting-pot artistique, Le Grand Déballage réchauffera les cœurs, ouvrira les poumons, rosira les joues. Sous le chapiteau, dans la chaude lumière des lumignons, le parfait happy end d’une aventure partagée avec cette compagnie au nom si intrigant, qui lui va à ravir.

Julien Candy aime bousculer des cadres. De solo en solo, il se dévoile circassien atypique et génial bidouilleur. Le Cirque Piètre est un inventaire à la Prévert, un pur moment de poésie où chaque accessoire est façonné à la main, là sous les yeux des spectateurs, unis dans le même cercle, celui des amoureux d’un art qui prend son temps, qui proclame le bric à brac comme mode d’évasion iconoclaste. L’artiste pratique l’art du détournement avec une habileté qui laisse pantois. Chaque objet du quotidien s’en trouve magnifié, du hachoir de cuisine à la fourchette, sans oublier la feuille de papier qui deviendra ce bel avion qui volera là où l’artiste le décidera, ou encore ces assiettes domptées de main de maître. Mais Le Cirque Piètre est aussi une remarquable leçon d’histoire et un irrévérencieux clin d’œil à notre modernité autoproclamée. De l’âge des cavernes au bottin téléphonique, le charme des temps révolus y opère avec une grâce enfantine, et ce spectacle est une invitation gourmande à se plonger dans les greniers d’antan propices à s’inventer des mondes absurdes. Pour le plaisir du jeu, du partage.

Un spectacle comme une confidence murmurée au coin du feu. C’est ainsi qu’Hervé Vaysse l’a imaginé, Le Céleste, l’histoire d’un homme qui rêvait de chanter à La Scala de Milan, au Metropolitan de New York. Mais la vie n’est pas si simple, alors il se fait colporteur d’art lyrique, livreur d’opéras. Il s’installe ici ou là avec quelques objets, des tentures, deux, trois loupiotes, et un petit théâtre à l’italienne surgit alors au centre de la piste. Tout est à vue, changements de costumes et de décors, pas de chichi, le public est dans la loge et sur la scène. Il y a du cabaret dans cette affaire, une frivolité à la française, une galerie de portraits échappés des nuits de Pigalle où petits voyous et travestis rejouaient Carmen ou Lili Marlène jusqu’à plus soif. Le Céleste est un mirage auquel on croit bien volontiers, un petit concertina y remplace vaillamment l’orchestre symphonique, un artiste incarne tous les rôles à l’étroit dans un corps qu’il ne peut dissimuler. Sa cathédrale, c’est lui. Des graves virils aux aigus féminins et enfantins, le souffle est puissant, l’épopée miniature. Un grand numéro de cirque empreint d’une infinie tendresse.

Le Cirque Piètre est le nouveau solo de Julien Candy. Pas un cirque misérable, cela va de soi. Ici on a le goût du petit, du travail façonné à la main, celui des amoureux d’un art qui prend son temps, qui revendique le bric-à-brac comme programme d’évasion iconoclaste. Chaque objet du quotidien s’en trouve magnifié, du hachoir de cuisine à la fourchette. Sans oublier la feuille de papier qui deviendra ce bel avion qui volera là où l’artiste le décidera, ou encore ces assiettes domptées de main de maître. 

Le Céleste est l’histoire d’un homme qui rêvait de chanter à La Scala de Milan, au Metropolitan de New York. La vie parfois n’est pas si simple, alors il se fait colporteur d’art lyrique, livreur d’opéras. Il y a du cabaret dans cette affaire, une frivolité à la française, une galerie de portraits échappés des nuits de Pigalle où petits voyous et travestis rejouaient Carmen ou Lili Marleen jusqu’à plus soif. Le Céleste est un mirage auquel on croit bien volontiers. Un petit concertina y remplace vaillamment l’orchestre symphonique, un artiste incarne tous les rôles, à l’étroit dans un corps qu’il ne peut dissimuler. Sa cathédrale, c’est lui.

Fnico Feldmann et Itamar Glucksmann ont l’habitude de travailler en duo, comme de mettre leur discipline, l’acrobatie, au service du vivant. Ils parlent du temps qui passe, de la fragilité de l’homme dans un cosmos qui le dépasse, de sa façon, aussi, de résister au chaos, de sa capacité à plier plutôt que rompre, de sa faculté à se hisser vers les hauteurs tout en s’ancrant dans la terre ferme. Ces désirs-là sont presque métaphysiques. Pourtant, sur scène, ils trouvent leur traduction lumineuse, évidente et superbe, dans la présence très simple d’un arbre.

C’est tout à la fois un spectacle de cirque et de danse. Une fois lancé, il ne s’arrête plus et fait le pari d’un enchainement continu de geste à geste, de posture à posture, de corps à corps, dans une hybridation mouvante de lumières et de musiques. Rachid Ouramdane, l’un des chorégraphes les plus sensibles de la scène contemporaine, organise sur le plateau une représentation du mouvement perpétuel. Le flux de la danse est littéralement hypnotique et la bande d’interprètes qui investissent le plateau se jette avec énergie dans ce continuum de vols, de sauts, de rebonds, de portés. Cette danse acrobatique n’a rien de brutal, d’agressif ou bien de saccadé. Elle avance dans un ruban évident de douceur. Comme si Möbius faisait à chaque seconde la preuve qu’à plusieurs on peut tout quand, seul, on est très démuni. Cette phrase, sans virgule et sans point, dit la beauté de la danse et de la fraternité.

Représentations :

jeudi 2 & vendredi 3 avril à 20h

Ce spectacle interroge la frontière entre l’humain et l’animal et met en scène un duo : le jeune acrobate Hichem Chérif donne à voir la part sauvage de l’animal en liberté tandis que l’équilibriste et acrobate vocale, Julia Brisset, amène, via le langage, un contrepoint loufoque. Expérience troublante et hilarante où l’on est le témoin de transgressions et de transformations, Le Bestiaire d’Hichem permet de renouer avec ce qu’il y a en nous de primitif, d’instinctif, d’ancestral, le tout en famille !

Représentations :

jeudi 5 mars à 10h & 14h30

vendredi 6 mars 14h30 & 20h

Jeanne Mordoj nous propose un travail visuel, poétique, énigmatique sur l’errance. Errance physique et psychologique qui trouve sa métaphore dans l’emploi d’un unique accessoire : le papier. C’est avec une grande délicatesse qu’elle déploie ce spectacle où l’indécision est érigée en principe moteur. Que cela fait du bien d’avoir le droit de douter dans un monde efficace qui ne souffre ni vagabondage intérieur ni remise en question !

Représentations :

mardi 3 mars à 20h

jeudi 5 mars à 20h

Ce spectacle est une allégorie autour du mythe de la caverne de Platon. Ce que nous contemplons, ce sont des ombres. Des anges déchus, des anges ayant chuté, il est vrai, mais qui aspirent à la lumière comme tout être humain. La chorégraphe et circassienne Raphaëlle Boitel, signe ici une pièce d’une intense maturité, orwellienne, sans pour autant céder à un pessimisme qui nous ravagerait. Artiste, elle ne peut se résoudre – et nous avec – à ce que ce monde sombre. Le cirque aussi peut être un lanceur d’alerte.

L’un est petit et brun, Julien Auger, l’autre est un géant blond, Mikkel Hobitz, ils portent tout deux – fort bien d’ailleurs – le kilt écossais. Ils sont 100% circassiens, 100% acrobates et perchistes, 100% complices. Leur spectacle est de ceux où l’entente est cruciale. Il faut effectivement savoir s’abandonner à l’autre lorsque, juché sur ses épaules, on grimpe à mains nues le long d’un très haut mât qui se hisse vers les cieux. Il faut se reposer sur lui pour pouvoir, tête en bas, tournoyer sur son crâne. La magie des représentations circassiennes réside dans ces limites du possible qui sont sans cesse pulvérisées. Les corps y adoptent des postures inouïes. Verticales, diagonales, horizontales, rien ne résiste aux virtuoses. 100% Circus défie avec panache les lois de la gravitation…

Un vent de liberté souffle et irradie le public. "Ô temps, suspend ton vol !" , écrivait Lamartine. C’est exactement ce qui se passe.

Représentations :

jeudi 12 décembre à 14h30

Vendredi 13 décembre à 20h

Surprise totale !

Johann Le Guillerm, artiste extravagant, personnage quasi légendaire alignant des créations sous chapiteau, se dévoile cette fois-ci sur scène, conférencier improbable et volubile. Un petit miracle pour ce mutique qui, désormais, parle et son verbe est savoureux : "Je cherche le chemin qui ne va pas à Rome" affirme celui qui veut "faire le point sur le point avant de faire le point sur le monde". Affublé d'un costume cravate d'un autre temps, derrière son établi, alignant de drôles d'alphabets et de mystérieux graphiques, Johann nous livre sa singulière approche du monde ! Loufoque et poétique, cette conférence bouscule nos convictions et met à mal notre rationalité.

La science ici devient comme par magie, une irrésistible fantaisie et ça fait grand bien !

Seize sur une scène et pas un homme à l’horizon. Voilà qui nettoie le regard et saisit les esprits. Seize femmes voltigeuses, danseuses, porteuses, acrobates qui font bloc sur la piste, envahissent l’espace, se répandent partout, au sol et dans les airs, toutes unies pour une chorégraphie de groupe dont l’envergure laisse bouche bée. Elles sont ensemble et pourtant, pas une ne se ressemble. Il y a des grandes, des petites, des fortes, des maigres, des cheveux longs et d’autres courts, des qui portent la jupe ou la robe tandis que leurs complices dansent en pantalon, les pieds nus ou pris dans des bottines. Elles sont des taches colorées qui donnent vie au plateau et le transforment en un joyeux méli-mélo de vert, de jaune, de bleu, de blond, de brun, de roux. Ce projet d’une cohésion totale qui ravira les jeunes par sa vivacité impressionne aussi les adultes. Devant nous, il y a la preuve qu’on peut, sans rivalité mal placée, sans ego boursouflé, faire oeuvre commune au service de l’art et de la beauté. La portée de ce Portés de femmes excède la prouesse esthétique et la performance physique. Elle a à voir avec une forme d’émancipation féminine.

Cinq personnages se découpent dans la pénombre, ricochent dans les airs, tombant, se redressant comme des ressuscités, toujours plus vifs, résolument déterminés à triompher de l'impossible, à vaincre le néant. Tout en puissance et fragilité ces cinq circassiens défient les lois de la pesanteur et rendent hommage dans un clin d'œil complice au Fellini de La Strada.

Un cirque humain et joyeux sous la houlette d'une autrice dont le talent se révèle à chaque création plus lumineux. Raphaëlle Boitel signe ici sa troisième pièce de cirque avec cinq jeunes interprètes issus de l'Académie Fratellini.

Son regard est incontestablement à découvrir.

Production L'Oubliée - Raphaëlle Boitel

avec Salvo Capello, Alejandro Escobedo, Loïc Leviel, Julieta Salz, Aloïse Sauvage

Pour en savoir plus :

https://www.facebook.com/compagnieloubliee

http://www.carre-magique.com/spectacle/les-5emes-hurlants/

Plongé dans ce récit extravagant de la création du monde, le spectateur découvre Adam et Ève en tenue shakespearienne, à un détail près : l'homme et la femme portent nez rouge !

Il s'agit d'une version de l'Éden pour rire, pour méditer aussi. On trébuche sur quelques vérités au sujet du couple. L'amour n'est pas une ligne droite et nos deux clowns le décrivent en zigzag, avec des hauts périlleux et des bas abyssaux. Tout est dit de l'harmonie et de la discorde, des anicroches et des rabibochages mais avec un parfum de poésie que seuls savent distiller Danielle Le Pierrès et Christophe Lelarge, les créateurs des spectacles Togenn, Tok, 2 et Hirisinn au sein du P'tit Cirk, la compagnie qu'ils ont fondé en 2004 après avoir collaboré à de grandes épopées, notamment avec le Cirque du Soleil et Les Arts Sauts.

Pour cette nouvelle création, Guillaume Roudot, le scénographe et constructeur, a créé à l’image des théâtres de tréteaux et dans l’esprit du Globe Theatre de Londres, un plateau de jeu en forme de T et des gradins à étage afin de réduire la distance entre le public et les interprètes de cette Genèse inattendue.

Éden transporte le spectateur au paradis du génie clownesque où les choses sérieuses sont grimées, maquillées, pomponnées.

En deux mots : joyeusement transcendées !

Production : compagnie Le P'tit Cirk.

Pour ce déploiement de merveilles, Plume sort le grand jeu : jongleurs, trapézistes, acrobates, clown jouent à retenir le temps mais aussi notre souffle en invitant la mer et le vent, en maniant l'ombre et la lumière.

Tempus Fugit ? est un spectacle coloré et festif, onirique et fascinant, fraternel et populaire.