Dans Gadoue, un curieux personnage jongleur évolue sur une piste recouverte d’une étrange matière : de la boue blanche.

Un défi de taille s’installe car mieux vaut-il être prudent ! Attention aux glissades, dérapages et multiples salissures, il faut rester concentré, choisir ses gestes avec précaution tout en jouant une performance aux figures complexes. La chute est inévitable et même nécessaire.

Quelle humiliation que de tomber dans la boue aux yeux de tous !

Mais c’est aussi un plaisir enfantin, interdit, inavouable : celui de la régression, voire de l’instinct bestial ! Petits et grands, tout le monde se reconnaît : ça colle, ça glisse, ça tache… Gadoue, c’est le plaisir de la patouille, le frisson du défendu, la joie du pas correct.

Connaissez-vous le 45e parallèle Nord ?

Cette ligne imaginaire se trouve exactement à mi-chemin entre l’Équateur et le pôle Nord.

Peuple parallèle amène au voyage guidé par un tumulte mystérieux : celui de la découverte. Le chemin d’impulsion : une balade-arpentage sur le territoire français à la rencontre des habitants d’ici et là.

Au gré de ce périple, il y a les espaces en marge, puis les regards posés sur ces lieux singuliers qui façonnent des histoires plurielles. De cette immersion expérimentale et documentaire nourrie par une soixantaine de rencontres, naît Peuple parallèle, une pièce pour trois comédiens. Les images défilent, les paysages prennent vie…

Une rencontre imprévue, un banc public… Deux inconnus… Ils s'ignorent, se croisent, se découvrent, se cherchent. Bravant la pesanteur, virevoltant, souvent sur les mains, parfois à l'envers, ils nous entrainent dans la poésie de leur relation naissante, fragile, espiègle et complice. Les prouesses s’enchaînent dans un main-à-main joueur…

Ce spectacle concert est le point de rencontre entre batterie et jonglage. Un duo virtuose partage ensemble un dialogue fluide sonore et visuel dans une proximité épurée. Pulsations, phrasés, accents, rebonds, suspensions rythment l’espace. On écoute, on tend l’oreille, on observe chaque mouvement, on perçoit un langage secret, sans paroles…

La partition se joue au millimètre, précise à souhait, la technique est sans faille. La magie opère et circule dans une délicate poétique du geste et du son. Un voyage dansé et musical maîtrisé. L’osmose est incontestable… Une expérience intime de l’équilibre parfait. « S’assurer de ses propres murmures et mener l’action jusqu’à son verbe en fleur » René Char dans La scie rêveuse

Dans cette performance solo engagée, la chorégraphe palestinienne Samaa Wakim s’interroge sur l’aspect politique lié à un vécu en zone de guerre.

Losing it explore comment le traumatisme de générations précédentes s’exprime dans son propre corps et son identité par le mouvement et le son. Des souvenirs électriques refont surface tels des fantômes du passé gorgés de peur, de privation de liberté et d’espoir face à l’occupation.

En dialogue avec une bande-son jouée en direct, un monde introspectif joue dangereusement avec la survie et se dévoile sur scène. Des instants de vie aux gestes furtifs gravitent dans une boucle temporelle fantasmagorique et oscillent entre réalité du présent, bribes du passé et rêve étrange.

Une expédition sur un fil. Le fil comme métaphore de la vie. Deux hommes mi-artiste mi-alpiniste s’entraînent dans une ascension funambule sur un câble de quarante-cinq mètres de long. Départ au niveau du sol pour arriver à dix mètres de haut. Un cap à franchir à l’aide d’un balancier, pas à pas. Une épopée perchée qui ose dépasser la peur où la confiance, la concentration et le dialogue règnent. Alors cela vous dirait-il de décoller pour faire un petit tour en direction de l’horizon ?

Dans le cadre du festival Saint-Amand fait son intéressant

Une envolée à quinze mètres au-dessus du sol dans ce ballet aérien où la solidarité du groupe prend toute sa mesure. Prenez place dans de confortables transats, les yeux en direction du ciel. Douze acrobates-voltigeurs balayent les airs telles des étoiles filantes. Dans ce tableau céleste, corde volante, trapèzes et voltiges acrobatiques nous offre une bouffée d’air frais. Certains y verront une allégorie criante de la société actuelle, d’autres une manifestation rebelle aux lois de la gravité. Sensations fortes garanties pour petits et grands !

En partenariat avec le Grand Périgueux

Une proposition circassienne interactive qui nous fait découvrir un instrument peu connu : le cajon. Native du Pérou, cette percussion populaire s’apparente à une caisse en bois sur laquelle on s’assoit. Cet outil musical devient alors objet d’intrigue, d’acrobatie, de conception, de jeu et de manipulation. Ce spectacle, ancré dans l’histoire, prend la forme d’un atelier fédérateur qui fait corps avec le public à la fois acteur-participant et orchestre. La construction d’une énergie créatrice magnifie la richesse du collectif pour faire vibrer l’universalité dans toute sa splendeur !

Scènes d’agglo (Agora, Grand Périgueux, Département de la Dordogne, Ligueux)

Qu’est ce qui se joue devant nos yeux ? Quel regard porte-t-on sur les autres et quelle image renvoie-t-on ? Quelle peur se cache derrière ce langage visuel ? S’observer soi-même tout en observant autrui. Mât chinois, sangles, roue cyr, contorsion et paroles d’habitants, accompagnent deux hommes et quatre femmes. Pensé pour l’espace public, ce jeu circassien met en exergue la figure mythologique à la chevelure de serpents. À la fois observateur et observé, chacun tisse des relations à partir de confrontations fascinantes.

En partenariat avec le festival Ôrizons

Un trio de jazz époustouflant qui conjugue parfaitement la voix de Leïla Martial, le guitariste Pierre Tereygeol et le percussionniste et bassiste vocal Éric Perez. Une réussite artistique récompensée par l’Académie du Jazz et les Victoires du Jazz 2020. Vivacité et cosmopolitisme qualifient ce groupe à l’univers musical dynamique et authentique. Une explosion sonore pleine d’humour où se mêlent l’esprit d’improvisation du jazz et des polyphonies influencées par des chants ancestraux (tziganes, inuits, pygmées…). Une acrobatie musicale au lyrisme grandiose.

Scènes d’agglo (Agora, Grand Périgueux, Département de la Dordogne, Chancelade)

Une osmose vocale indéniable définit cet ensemble sublime composé de l’un des plus grands groupes de création polyphonique corse « A Filetta », du chanteur égyptien Abdullah Miniawy et du saxophoniste anglais Peter Corser. Voici trois identités fortes qui brisent les frontières pour ne former qu’une seule entité. Une incroyable alchimie au carrefour des civilisations méditerranéennes et orientales d’une beauté déchirante, transcendée par la volonté de donner les notes couleurs du partage. Un métissage généreux aux notes ensorcelantes, qui nous prend aux tripes.

Ce projet de longue haleine est le fruit d’un travail de création théâtrale mené depuis 2014 au sein de la Maison Centrale d’Arles. On touche à l’essentiel : pas de décor ni de scénographie, ni même de création lumière ou sonore, ni plus encore d’accessoires ou de costumes… Seulement des chaises, des comédiens et quelques spectateurs. Cette pièce plurielle est construite à partir de trois textes de Joël Pommerat : La Réunification des deux Corées, Cet Enfant, Cercles/Fictions. Une déclinaison d’histoires courtes qui parlent de l’ambivalence de l’amour, quel qu’il soit. Une mise à nue sociale totale.

Cela fait vingt ans que Johann Le Guillerm travaille une œuvre nommée Attraction, projet colossal de recherche sur la métamorphose du réel dans lequel les points de vue s’enchevêtrent. Terces vient du mot « tercer » qui signifie « labourer la terre pour la troisième fois ». C’est aussi le mot « secret » lu à l’envers. Troisième opus d’un volet dont les deux spectacles précédents se nomment Secret et Secret (temps 2). Ces formes constituent une entrée dans un monde expérimental, la consécration cyclique d’un chantier physique et mental en mutation. Des volumes utopiques, des démonstrations et mouvements animés surgissent. Une forme plastique, circassienne et scientifique pour génial seul en piste.

Soka Tira Osoa est une traversée à couper le souffle. Tatiana, une funambule et trois musiciens tirent les fils des possibles pour toucher les nuages. Aussi spectaculaire que participatif, cet art posé à cinq mètres de hauteur nous relie, nous rapproche les uns des autres. Dans ce spectacle, pas question de n’être que spectateur puisqu’une partie du public participe activement à la levée et au maintien de la structure. Une progression forte et collaborative qui se soulève jusqu’à ne plus toucher terre… Un retour vers notre besoin avide d’humanité…

Cette pièce porte le titre de la première version de Tartuffe de Molière, en trois actes, interdite par l’Eglise à l’époque de sa création. Cette satire dépeint une famille bourgeoise catholique dont le chef de famille, Orgon, recueille dans son foyer Tartuffe, maître spirituel. Celui-ci va sombrer dans le péché du désir et sa présence va bouleverser l’équilibre familial. Ici, l’histoire s’habille avec le filtre de la modernité pour se dérouler durant les années folles – 1920. Une comédie cocasse, tragique et cruelle où l’art de l’éloquence est sublimé.

En coréalisation avec l’Office Artistique de la Région Nouvelle-Aquitaine (OARA)

Une adaptation jeune public de la célèbre pièce classique La mouette d’Anton Tchekhov. A la fois récit initiatique, fable et conte, ce spectacle à la scénographie immersive fait ressurgir une multitude de symboliques liées aux illusions, à l’espoir, à l’amour, à l’échec… Au centre de l’intrigue, trois personnages : Nina, Kostia et Sorine.

Représentations réservées aux scolaires

En coréalisation avec l’Office Artistique de la Région Nouvelle-Aquitaine (OARA)

Ce solo vocal et percussif dédié aux tout-petits avec ses airs d’orchestres miniatures, propose une expérience insolite. Un éveil sensoriel qui fait la part belle à l’imaginaire, aux quatre éléments naturels et aux émotions. Charlène Martin nous propose six petites pièces et un final. Une exploration talentueuse qui fait jaillir devant nous sons, onomatopées et mélodies rythmiques en tous genres.

En partenariat avec le Grand Périgueux

Je suis dedans…, ce pourrait être l’histoire d’un homme qui tombe. À la suite d’un accident, Thomas se retrouve plongé dans un long coma, auquel succède une période sans réelle connexion avec ce qui l’entoure. Un corps. Pour ceux qui sont à l’extérieur, est-il dedans ? Pour lui, comment communiquer avec l’extérieur ? Je suis dedans…, c’est surtout l’histoire d’un retour sur scène qui célèbre le retour à la vie. Qui réécrit Orphée et Eurydice. Une réappropriation, un cri de rage et de Joie. Au carrefour du théâtre, de la musique et de la danse, Je suis dedans… est un exorcisme de toutes nos chutes et un hymne aux tentatives de nous relever.

Scènes d’agglo (Agora, Grand Périgueux, Département de la Dordogne, Val de Louyre et Caudeau)

Le chorégraphe et danseur hip hop Hamid Ben Mahi se lance dans une nouvelle création : une chorégraphie pour six interprètes féminines. Il questionne la place des femmes dans notre société inégalitaire afin de provoquer le débat, sans tenter de donner des leçons. Tel un miroir de notre monde, ce spectacle met en lumière leur parole par le prisme de témoignages pour nous amener à réfléchir collectivement. Une mise en abyme dans les profondeurs des rapports hommes-femmes avec le désir inébranlable de bâtir une société plus juste.

En coréalisation avec l’Office Artistique de la Région Nouvelle-Aquitaine (OARA)

Il faut remonter à quatre mille ans, dans un tombeau en Egypte pour découvrir le point d’impulsion de ce spectacle : la plus ancienne représentation que l’on connaisse du jonglage. Cette image forte prend vie dans ce spectacle-récit documentaire, entre peinture, sculpture, danse et jonglage. La voix off de l’artiste donne la cadence en façonnant une traversée des époques et des cultures, de l’Antiquité à aujourd’hui. Frayant un chemin très personnel, Elsa Guérin tisse là un délicat et poétique tableau animé. Une remontée dans le temps qui fait ressurgir des figures féminines et donne corps aux fantômes du passé.

Est-ce une lettre d’amour ? Un poème sorcier ? Un solo écrit pour piano ? Une performance embrasée ? Ou encore un acte de résistance ? Peut-être les cinq à la fois… Inspirée des femmes engagées dans les groupes armés révolutionnaires d’Europe occidentale des années 1970-1980, Nadège Prugnard révèle les violences du monde à travers la parole, la pensée et le corps. Une pièce d’écorchée vive et frontale qui invoque l’intime fatalité des destins brûlés.

Encantado… Tel un enchantement, un sortilège, une incantation magique… mélange de mystère et d’émerveillement. Le voile opaque se lève sur les entités afro-indigènes : les encantados, êtres animés par des forces inconnues, vivant entre ciel et terre, dans les dunes, les plantes, les eaux douces et salées, les jungles, les rochers… Transformations en lieux sacrés pour nous livrer une danse enivrante dans un tourbillon coloré et bariolé qui se dessine devant nos yeux.

Prix du “Meilleur Spectacle Chorégraphique” 2021-2022, décerné par le Syndicat Professionnel de la Critique Théâtre, Musique et Danse.

Spectacle où cohabitent la prouesse circassienne, les numéros clownesques et la musique vivante. Le cabarêve, c’est ce lieu fantasque, presque incroyable où le burlesque croise de temps à autre la route du monstrueux fantastique. C’est aussi le lieu de toutes les élucubrations de l’âme, des passions tristes aux explosions de joie. Au cabarêve, tout le monde est acteur, les artistes sur scène, le monde en coulisse, mais aussi le public qui prend part intégrante au triomphe ou à la désolation d’un théâtre de l’humanité en désuétude. Un spectacle d’une bouillonnante complétude.

La Compagnie Marius présente une interprétation théâtrale de l’oeuvre célébrissime de Jacques Prévert. Dans Les Enfants du paradis, aucune pitié pour la médiocrité, la mesquinerie et le petit confort, il s’agit de vivre au centuple, de jouer la comédie, de donner le ton, de hurler, de sublimer, de danser et de désirer passionnément. Il faut faire revivre la rage littéraire de l’auteur, avec ses débordements d’amertume autant que de tendresse. Restituer fidèlement le ton chantant et vibrant, au rythme saccadé, pour une forme nouvelle et homérique sur les choses de l’Amour.

Réadaptation du célèbre opéra dans l’environnement le plus humble. Cette interprétation de la pièce de Bizet trouve son originalité dans la rupture avec les représentations traditionnelles. À contre-courant des mises en scène de grande envergure, la compagnie Attention Fragile a choisi de créer ce qui peut être considéré comme l’un des plus petits théâtres du monde. Il accueille le personnage emblématique de Carmen dans le monde acrobatique et le ramène dans le présent. Je suis Carmen car tout le monde peut être Carmen. La femme émancipée n’a plus rien de mystique, de phénoménal, elle représente désormais un espace aussi populaire que commun.

Deal est une pièce couteau suisse. Adaptation théâtrale du roman de Bernard-Marie Koltès Dans la solitude des champs de coton, Deal est un spectacle de danse, mais aussi de cirque et de théâtre. C’est le récit d’une relation d’amitié, de rivalité, de tendresse et de haine mortelle. Deux hommes en affaire, qu’il s’agisse de fratrie ou d’affrontement triviaux. A partir de la rencontre de protagonistes sans accoutrement, naît un lien de dualité et de paradoxes, interprété dans un langage hybride, par l’oralité théâtrale, la danse ou l’entrechoquement des corps… La frontière paraît toujours infime. Un spectacle violent, sensuel, épuré et poétique.

David Wahl propose un spectacle, entre la conférence et le cours d’école. Au-delà de l’aspect purement ludique de la chose, c’est l’histoire du plastique qui est racontée et son rôle qui est alors pensé au sein de nos sociétés contemporaines, le tout de manière analytique et rationnelle, loin du discours habituellement disqualifiant dont on a l’habitude sur le sujet. L’important est de se projeter dans l’avenir avec optimisme, sortir instruit de cette création à la fois fantaisiste et intelligente.

23 fragments de ces derniers jours est un vrai spectacle de cirque acrobatique. On est tout de suite interpellé par les matériaux présents et le message porté par les artistes. Pour parler de leur Brésil natal hanté par le souffle de la destruction, allant d’acrobaties sur mât chinoisau fakirisme sur bouts de verre, la troupe ne s’interdit aucune fantaisie. Entre équilibre sur des chaussures à talon ou sur des bougies chauffe plat, on assigne des rôles à des objets aussi improbables soient-ils, comme la formulation d’un cri d’amour à leur adresse ou un jeu d’équilibre et d’instabilité, à l’instar d’un pays en ébullition.

Tout commence par le récit d’un attentat par la victime, les détails de la déflagration, de la dispersion de tout autour de lui… À travers les blessures de la chair et de l’âme, l’interprète nous entraîne dans son monde de questionnements où la solitude et la confusion règnent seules… La disparition, pas seulement du personnage, mais à travers ses yeux, du monde autour de lui, dissimulé progressivement derrière une nappe de brouillard toujours plus dense… Un récit ou un requiem qui questionne profondément l’individu devant la perte.

Un recueil de voix humaines mis en scène de manière théâtrale. Désobéir est là pour parler directement, non pas des traumatismes passés mais bien des blessures de notre époque. À partir des voix de femmes multiples, issues de quartiers de banlieues, il s’agit de traiter de ce qu’est être une femme dans une société encore sclérosée par le patriarcat, le machisme et la tradition. Faire émerger la voix du bas de l’échelle pour réinventer philosophiquement et, pourquoi pas, politiquement nos manières de faire société…

Représentation d’une réflexion aussi intellectuelle que corporelle autour de la roue Cyr comme agrès de cirque principal. Penser les limites du corps, de l’esprit et de l’espace. S’y tenir, même quand le mouvement et l’inertie nous entraînent. Il s’agit de parler du corps dans sa lutte pour le contrôle, et de l’objet dans ses distorsions, leur donner des volontés propres et parler de l’affrontement entre les deux.

Dans le cadre du Festival Trente Trente

Deux lettres pour désigner ce spectacle, ou un croquis qui résume tout : O pour désigner le cerceau et I pour le bâton avec lequel il manipule le premier. C’est à partir de cet agrés le plus simple qu’il nous embarque dans un univers aux lumières tamisées et à la musique lancinante. Se servir du clair-obscur et de la solitude du rêveur silencieux pour une mise en scène en toute élégance…Un spectacle à la fois minimaliste et somptueux

Dans le cadre du Festival Trente Trente

Briser les représentations de genres et d’identités… Un homme et une femme sur scène, pour un numéro chorégraphique. Mais cette fois, c’est la femme qui tient le rôle du pilier. Bousculer la vision traditionnaliste du « sexe faible ». Ici, c’est la femme qui porte l’homme. Et en amont de « porter », il y a « soulever », car c’est par l’acte dynamique qu’il s’agit d’affirmer sa place au sein de la masse sociale.

Dans le cadre du Festival Trente Trente

La force des choses, une mise en scène autour des irréversibles de la vie. Dans ce spectacle en toute simplicité, le contrôle total est une illusion. Ce trio de compères, gauches à leurs heures, met son talent dans la mise en place de la chute, des ratés de la vie courante et de la sidération. La scénographie est sobre, épurée comme si l’artifice du décor n’était que vanité. Dans ce spectacle de cirque sans acrobaties, de théâtre sans parole, de danse sans rythme et de prouesses sans prétention, sur une scène où il n’y a que tout ce qui compte : l’acteur et son langage propre.

Dans cette pièce, il est question des quartiers nord de Marseille, de ses habitants, de la vie qu’on y mène, des joies et des souffrances de l’âme humaine. C’est un monologue mis en scène pour restituer le récit de Latifa, tenancière d’un snack au coeur de la vie des quartiers populaires. Mais à travers ce conte, c’est l’histoire de l’humanité dans ses sursauts de fraternité, de passions tristes ou lumineuses, de mesquinerie et de trivialité, qu’on raconte. « Le monument de Marseille, c’est son peuple », car son identité n’est pas fondée par la pierre, mais par la multitude des cultures et sensibilités, plus encore au sein des quartiers nord.

Le Paradoxe de Georges, c’est le paradoxe du spectateur de magie qui croit en ce qu’il voit tout en sachant que c’est faux. Les numéros se déroulent dans une « salle camion » spécialement conçue pour, l’intention étant d’inviter le public dans un espace intimiste et particulier, avec tous les atouts pour construire un réel échange. Ce lieu commun, sanctuaire de la Cartomagie prend alors des allures changeantes, entre salle de conférence et laboratoire de l’humanité. Pour tout un chacun, l’expérience n’en demeure pas moins, instructive, ludique et immersive.

CIRQUE | 20H30 DURÉE 1H20 | A PARTIR DE 6 ANS | AUDITORIUM

C’est un enchaînement d’acrobaties, figures, couleurs, musiques, idées, sketchs, glissades, courses, tabourets, visages, babouches, chorégraphies, casquettes, concepts, citations, sms, et autres joies entre DJ set et rap fougueux, entre couleurs flashs et questions en noir et blanc. Une interrogation lumineuse et acrobatique pour une ode tendre profonde et ludique, un regard singulier de quatorze jeunes sur leur Maroc d’aujourd’hui. Habillés et entourés par l’univers visuel du brillant photographe et artiste Hassan Hajjaj, FIQ ! est mis en scène par Maroussia Diaz Verbèke.

CIRQUE| 20H30 DURÉE 1H10 | A PARTIR DE 10 ANS| AUDITORIUM

Proserpine, clown grotesque, personnalité universitaire et objet de ses recherches pour l’occasion livre une conférence sur le rire. A partir d’une série d’expérimentations entre elle et le public, de textes théoriques et de vidéos la mettant en scène, elle donne à comprendre cette onde magique qu’est le rire. Une question de survie pour Proserpine : un clown se doit de faire rire sinon il n’a aucune raison ,d’exister. Ainsi elle provoque le public, le stimule, le surprend à rire, l’analyse, voire le manipule, le questionne, le sollicite et crée un terrain de jeu relationnel pour rebondir de rire en rire. Le rire, matière d’expérimentation et de réflexion au centre du travail de Caroline Obin devient via son clown Proserpine un moyen d’expression à part entière.
EN CORÉALISATION AVEC ARTS ET CULTURE EN ISLE MANOIRE

C.R.A.S.H - Compagnie Anomalie &…, Cille Lansade

19H ET 21H| DURÉE 30 MN| A PARTIR DE 7 ANS| LE CUBE CIRQUE

Une voiture à l’envers, c’est simple mais l’impact est radical dans le paysage. Les spectateurs deviennent naturellement, et malgré eux, des « voyeurs » d’un accident de voiture. Il y a une femme dans cette voiture. Étourdie par l’impact du choc, elle évolue au ralenti et s’extirpe doucement par la fenêtre. On suppose que cette femme est la seule victime jusqu’au moment où le coffre de la voiture s’ouvre brusquement. Un homme s’en extrait, et tombe au sol. L’univers sonore entièrement généré par l’autoradio contient la ligne dramaturgique de la pièce. Les informations sont fragmentaires, comme un fourmillement de pensées. La compagnie Anomalie &… par ce biais et via ce duo, nous parle du changement, de l’accident dans son aspect philosophique et poétique.

MA MAISON -  Compagnie L’MRG’ée, Marlène Rubinelli-Giordano

20H| DURÉE 15 MN | A PARTIR DE 7 ANS| LE CUBE CIRQUE

Je troque le temps d’une pause furtive ma vie nomade contre une maison. ,La maison est un thème qui hante mon imaginaire de femme depuis quelques années déjà, et trace un sillage de mes fuites. J’en possède partout et en grand nombre de par les lieux qui accueillent mon travail et me logent. En atelier j’en propose une à ceux qui en sont privés et qui vivent l’enfermement au quotidien. Elle est toute petite et si légère que je la transporte sur mon dos, elle n’a pas de mur et ses fenêtres sont grandes ouvertes, elle est vide et mon corps s’y agrippe et s’y frotte comme à un agrès de cirque. Et mon âme cherche un nid pour s’y poser, Et mon cœur une porte pour y échapper.

TARIF UNIQUE SOIRÉE 6€
AVEC LE SOUTIEN DU MINISTÈRE DE LA CULTURE

Rencontre explosive entre cirque et musique, entre la Crida et la compagnie Lubat de Jazzcogne ! Invitée en 2016 au festival d’Uzeste Musical, la Cridacompany confronte pour la première fois à l’occasion d’une soirée mémorable son univers circassien empreint d’étrangeté et d’humour décalé à l’univers musical sauvagement improvisé de la compagnie Lubat. Si le travail de la Cridacompany et celui de la compagnie Lubat sont très éloignés dans la forme, quelque chose les relie formidablement. Depuis la Cridacompany a invité la compagnie Lubat et le cabaret s’est réinventé plusieurs fois et il est unique à chaque représentation !